Primeros acercamientos

https://youtu.be/8_RrFLaRup4

https://youtu.be/flzxKaENCPM

https://youtu.be/OLmdCaMKcu4

Presentación del proyecto ante la cátedra

El jueves pasado, realizamos la presentación del proyecto ante la cátedra y el resto de los compañeros. Presentamos nuestra idea de instalación, cómo vamos a encarar el trabajo y posibles ensayos para seguir indagando. De esto se trato:

Desde que somos personas, tenemos distintos tipos de registro a nuestro alrededor con los que retratamos nuestras experiencias. Según nuestra edad, género y contexto, junto con el valor que le sumamos, que es único y particular de cada uno de nosotros, hacemos del registro un recuerdo, y son estos los que con el paso del tiempo moldean nuestra propia identidad.

Algunos de los referentes que están en nuestra investigación son:

• Joseph Campbell
• Mona Hautoum
• Sigman

Nuestra intención es realizar una instalación donde se exprese la multiplicidad y variedad de los recuerdos. Por eso, cada una de nosotras, aportará su propia mirada, su propio punto de vista sobre el mismo, y la vivencia que tuvimos en torno a los recuerdos.

Serán 4 miradas, y la conexión entre las mismas será el REGISTRO. Es nuestro elemento en común que va mutando según las personas.

Video: https://youtu.be/wTPL3aftd2I

1. Es el de Rosario. Su registro son los negativos.

Su propuesta es trabajar con la temporalidad que queda captada/impregnada en los negativos. Este elemento es su soporte de recuerdo, y sin él hay olvido.

En su instalación, habrá pantallas superpuestas, donde el usuario podrá recorrerlas, marcando así su espacio, su presencia en las mismas.

2) Soledad trabajará sobre el olvido del recuerdo. En este primer momento, usará los videos hogareños como base de su registro, tomando una vivencia propia como partida de la instalación: El olvido de la voz de su abuela luego de un ACV.

Ella marcará su imposibilidad de recordar los matices y texturas que tenía esta voz; por eso también trabajará con el sonido como recurso secundario. Su punto de vista estará registrado en una videoinstalación.

3) Anabella tendrá a los objetos como registro.

En su mirada en torno a la identidad que nos marcan los recuerdos, trabajará con dos objetos que representan una parte importante de su recuerdo en torno a sus padres. Tendrá un objeto representativo de su madre (diario íntimo), y otro de su padre (contestador automático del teléfono) que murió hace ya unos años. Su intención es acompañar la exposición de estos objetos junto con una intervención en los mismo. Y por último, habrá un tercero, que tomará a los dos primeros, sumando algo propio de ella misma.

4) Paula hará hincapié en cómo los recuerdos, especialmente de la niñez temprana, marcan las actitudes e influyen en la toma de decisiones que uno hace de adulto.

El único registro en la familia son las fotografías y lo captado propiamente con los sentidos.

Se me hace difícil aceptar el paso del tiempo, especialmente los años con mis padres. Crecer y que ellos envejezcan.

Estar siempre en familia, me hace no querer separarme hoy en día, apegarme mucho a las cosas

Ver a mis papas trabajar, recordarlos, me hace ser quien soy y pensar como pienso sobre el esfuerzo y la voluntad

La construcción de la identidad a través de los recuerdos personales

Con nuevo tema definido: La construcción de la identidad a través de los recuerdos personales; y un nuevo marco de hipótesis exploratoria: Desde que somos personas, tenemos distintos tipos de registros con los que retratamos nuestras experiencias. Según nuestra edad, género y contexto, y el valor que le sumamos único y particular, se hace del registro un recuerdo. Y son éstos, los que con el paso del tiempo moldean nuestra propia identidad.

Bajo este marco, decidimos organizarnos de la siguiente manera. La idea es hacer una instalación que cuente con 4 estadíos, 4 partes separadas donde cada una refleje según su enfoque personal cómo vivencia el concepto de la construcción de la identidad a través de los recuerdos. Y que el hilo rector, lo que ata a los 4 estadíos sea la utilización de algún registro. Entonces planteamos la utilización de objetos, videos familiares, fotos, todos dispositivos donde se almacenan recuerdos que son constitutivos para nuestras identidades.

Respecto a mi enfoque, lo reduje a los recuerdos de la niñez y el material de registro con los negativos de las fotos analógicas. Elegí la niñez, porque me parece la etapa central donde los cimientos de nuestra personalidad se colocan y según nuestras experiencias nos vamos constituyendo en lo que a futuro seremos. Además descubrí que desde pequeña trataba de registrar todo lo que estaba al alcance, mis espacios, mi familia, en una fascinación reteniendo esos momentos, de los cuales muchos hoy no recuerdo o tengo el presentimiento de que sus construcciones son más por tener el registro mismo y crear a posterior el entorno de esa imagen, que tener latente la experiencia en mi mente.

Otro aspecto que me parece interesante, es la múltiple temporalidad que se da en esos registros al ser recuerdos. Captan un espacio tiempo particular, que luego es resignificando con otros elementos y a su vez en futuro será condicionante de nuevos espacio-tiempos que genere.

Por eso realice el siguiente ensayo para tratar de transmitir algunas de estas ideas:

https://youtu.be/2GA1L-Dvl1E

Volviendo a los inicios

Tras varias correcciones, nos dimos cuenta que nuestro tema y la forma de encararlo no estaba respondiendo a algo propio y particular. No podíamos justificar por qué contar ese tema y no otro, que nos motivaba profundamente para realizar el trabajo de todo un año. Por lo tanto, replanteamos a consciencia qué es en verdad lo que queremos contar.

Nos distanciamos algunos días, para que cada una de nosotras pueda hacer una mirada introspectiva cuestionando qué es lo que queremos contar, qué queremos decir acerca de qué y por qué ese tema y no cualquier otro. Que lo hace especial para uno como individuo.

Personalmente, me plantee a conciencia por qué me asombraba tanto el mundo de los recuerdos; qué sucede en ese proceso que tanto capta mi atención, y por qué quisiera compartir algo de eso con el resto de las personas.

Nos volvimos a encontrar, desde cero, debatiendo y compartiendo inquietudes, y luego de una larga charla volvimos nuevamente al tema inicial. Los recuerdos. Pero esta vez, desde otra perspectiva. Surgió en la mesa el concepto de olvido. Cómo uno se aferra mediante los recuerdos a aquello que no quiere perder, y cómo inevitablemente por su definición entra el olvido a cubrir esos espacios donde antes había recuerdos, diluyendo algunos o haciendo más fuertes a otros.

Planteamos cómo los recuerdos moldean la identidad, cómo construimos nuestras personalidades, somos quién somos a través de las vivencias que poseemos como background, "nuestras mochilas" de experiencias. Muchas vivenciadas en nuestras mentes con mucho nivel de detalle, otras construídas mediante fotos o videos, los cuales de chicos vimos y reconstruimos situaciones con esos materiales más la oralidad transmitida por nuestra familia de aquello que sucedió. Pero cómo darnos certezas, cómo poder aferrarse a una construcción hecha mediante registros, cuando esos mismos registros son modificables, se pueden alterar.

En este punto queremos indagar. Cómo por nuestro género, tiempo, contexto utilizamos ciertos registros para percibir al mundo, luego esos registros se convierten en recuerdos cuando les asignamos un valor simbólico; y luego esos recuerdos se convierten en identidad al incorporarlos como parte de nuestro ser.

Nuevas experimentaciones

Pruebas que seguimos realizando, en torno a la construcción de la contradicción perceptiva.

https://youtu.be/S5XhfRZiDoA

https://youtu.be/9JjN1emDcVA

https://youtu.be/LuO2k_7P0x8

https://youtu.be/x2ZhJDhIvc8

https://youtu.be/yT3arDi9AUc

https://youtu.be/696YYPK8CPU

https://youtu.be/d_9kf5iJtXg

https://youtu.be/1pwEY-QVzmY

Actividad investigación de un artista

En este caso, me ha tocado investigar sobre la obra del artista Antoni Muntadas.

Considerado como unos de los pioneros del media art y del arte conceptual en España, Antoni Muntadas (Barcelona, 1942) lleva más de cuatro décadas realizando proyectos en los que plantea una reflexión crítica sobre cuestiones claves en la configuración de la experiencia contemporánea. Su objetivo es detectar y decodificar los mecanismos de control y poder a través de los cuales se construye la mirada hegemónica, explorando el papel decisivo que en este proceso juegan los medios de comunicación de masas. En sus obras, que tienen siempre una clara dimensión procesual y en las que a menudo se apela directamente a la participación de los espectadores, Muntadas recurre a múltiples soportes, lenguajes y estrategias discursivas, desde las intervenciones en el espacio público al vídeo y la fotografía, desde la edición de publicaciones impresas a la utilización de Internet y las nuevas herramientas digitales, desde las instalaciones multimedias a la puesta en marcha de proyectos de investigación multidisciplinares y colaborativos.

El propio Muntadas explica que “Desde hace mucho tiempo decidí trabajar con la idea de proyecto, de algo que comienza a partir de una idea, que crea un proceso de trabajo, tiene diversas fases y necesita un tiempo. Cuando empiezo un proyecto no sé ni el tiempo que me va a llevar ni en lo que va a acabar. A menudo implica consultas, entrevistas, una investigación individual o colectiva. Una vez definido, piensas qué medios utilizar. Mis trabajos son sistemas, dispositivos, artefactos. Es como una especie de assamblage para ser activado. Trabajo con estructuras narrativas que la mayoría de las veces me invento por necesidad, porque me resulta imposible explicarlo con una sola palabra o imagen”.

Lo destacable de este artista es cómo utiliza los distintos dispositivos, corriéndose del lugar común de representación y en muchos casos, hasta cuestionando esa misma representación y los valores simbólicos preestablecidos. Interviniendo también el lugar que debe tener el arte, en su noción más genérica.

Dentro de sus proyectos más reconocidos se encuentran The Board Room, videoinstalación en la que se recrea discursos de personajes famosos del mundo político, religiosos y de entretenimiento; The File Room, una habitación con archivo informático que recogía los casos de censura cultural en el mundo, permitiendo además que se introdujesen nuevos datos; y On Translation: the internet Project, una instalación que reflexiona sobre los problemas de traducción en la sociedad de la información utilizando la interactividad.

Parte de su muestra realizada en el centro Reina Sofía, donde pueden verse varias de estas obras

https://vimeo.com/33649891

Encontrando el rumbo

Falsos recuerdos----percepción----contradicción

                              Sentidos

La percepción es inestable, puede contradecirse. Interpretamos los estímulos sensoriales a través de nuestros sentidos y mediante este proceso podemos recordar imágenes de nuestra experiencia individual, que moldean nuestra identidad. Entonces, ¿Cuán fiables son los recuerdos que moldean nuestra identidad, si podemos darle el mismo valor de verdad a un recuerdo propio que a un falso recuerdo (creemos vívidamente que sucedió)?

La percepción es la manera en la que el cerebro de un organismo interpreta los estímulos sensoriales que recibe a través de los sentidos para formar una impresión consciente de la realidad física de su entorno. También describe el conjunto de procesos mentales mediante el cual una persona selecciona, organiza e interpreta la información proveniente de estímulos, pensamientos y sentimientos, a partir de su experiencia previa, de manera lógica o significativa.

Deberíamos producir una experiencia que cuestione la construcción de los recuerdos, a través de la percepción.

Una experiencia que desestabilice el proceso de recordar, a través de la percepción.

Es un proceso cíclico: recordamos al percibir, y al percibir generamos nuevos recuerdos. No podemos distinguir cuál es primero.

Se relaciona con el valor de rejugabilidad (replay value). Concepto de videojuegos, donde puedo hacer varias veces la experiencia de recorrer determinado espacio/tiempo y nunca va a ser la misma porque con cada nueva pasada se modifica las opciones que tengo para recorrer ese espacio.
ejemplo: https://www.youtube.com/watch?v=fBtX0S2J32Y The stanley parable

TEMA:

La contradicción perceptiva en relación a la construcción de nuestros recuerdos.

HIPÓTESIS: (la misma pero escrita de diferentes maneras)

La contradicción en la percepción produce una inestabilidad en la persona, quien cuestiona el valor de verdad otorgado a los sentidos con los que recordamos.

Cuando aparece una contradicción en la percepción, se produce una inestabilidad en la persona cuestionando el valor de verdad otorgado a los sentidos con los que recordamos.

Una persona vivencia una contradicción en la experiencia que está percibiendo, cuestiona el valor de verdad otorgado a los sentidos con los que recordamos y conocemos al mundo.

Experimentación

Seguimos debatiendo sobre la mejor manera de expresar aquello que ya pusimos en común a transmitir: cómo experimentar nuevas maneras de estímulos sensoriales ya conocidos, nos produce una sensación de inestabilidad al querer completar lo percibido y encontrarnos con una contradicción de sentido.

En torno a esto, decidimos que algunas buenas estrategias serían alterar la escala de los objetos, cambiar la direccionalidad del objeto. Si la luz es visión, lo que nos permite ver, qué sucede si provocamos lo contrario. Al sonar una materialidad, al percibir una materialidad mediante un sentido, sentir otra mediante otro sentido al mismo tiempo.

En el taller, también surgió la idea de representar algo cotidiano alterando alguna de sus características.

Realizamos algunas pruebas...

https://youtu.be/6AInZ88sVLU

https://youtu.be/_wO3nJqTkW0

https://youtu.be/XQMwLjT2CME

https://youtu.be/6ZqM5O0cafM

https://youtu.be/QQ8H3jUIX-8

Nuevo rumbo

Tirando ideas y conceptos notamos que había ciertas palabras repetidas que nunca abandonaban nuestra mesa de trabajo. Percepción e identidad. El lenguaje estaba implícito, entre ambos, ya que es nuestra forma de codificar el mundo, la articulación de nuestro pensamiento.

Entonces nos planteamos si es el lenguaje lo que a nosotros nos construye, lo que construye nuestra identidad.

La manera que nosotros conocemos al mundo, se condiciona por nuestra experiencia personal e individual. Es un proceso que a uno lo lleva asociar el lenguaje.

En este marco, si la construcción del lenguaje es vital para la construcción de la identidad, nos preguntamos qué relación tiene con la percepción, con lo percibido que recibimos de nuestro entorno. Nuestros modos de ver, nuestros modos de escuchar, nuestros modos de sentir el tacto.

Si ya cuando nacemos, se nos enseña estos “modos de…”, se nos educa de determinada manera a cómo uno tiene que reaccionar ante ciertos estímulos. Entonces qué sucede cuando se produce una ruptura en la percepción estructurada (fundamentada en la comodidad, en lo conocido, donde uno interpreta conectando con lo que uno conoce y atando cabos para que nada pueda escaparse de ese lugar común; ya que la percepción está codificada por el lenguaje).

¿Qué sucede cuándo el espectador debe completar la falta?, esa porción de sentido que da unidad e integridad a aquello que uno observa, ante la inestabilidad aparente.

Debido a todo esto anterior, llegamos a la conclusión de un nuevo tema y una nueva hipótesis:

Tema: La percepción de estímulos sensoriales de manera no preconcebida.

Hipótesis: La modificación de los estímulos sensoriales preconcebidos genera una nueva asociación lingüística propia del individuo pero a la vez inestable.

Elaborando pensamiento

Decidimos dividirnos y establecer nuevas hipótesis acerca del tema que más nos pareciera interesante, debido a que en la corrección de la última clase (jueves 21/04) no pudimos explicar de manera correcta qué es lo que queremos contar/transmitir. La corrección se desvirtuó hacia otros lados que no tenían que ver con nuestra propuesta, pero nos puso en jaque cuán claro estábamos explicando la cuestión y en consecuencia cuán claro lo teníamos nosotras en nuestras cabezas.

Algunas de las hipótesis que planteamos son:

-La transformación de los recuerdos a partir de eventos sensoriales.

-La transformación de los recuerdos a partir de la utilización de diferentes lenguajes.

-La construcción de la identidad.

-La percepción y su vínculo con el lenguaje.

-La construcción del lenguaje y la relación con la identidad.

-La construcción de la identidad con respecto a imágenes pasadas.

Entre otras.

Teniendo esto y analizando en paralelo, que desde el inicio por cómo propusimos trabajar y qué cosas queríamos que sucedan en la instalación; entendimos que estamos trabajando todo el tiempo con el lenguaje. La forma de comunicarse, cómo percibimos el mundo, cómo se estructura esa percepción. La percepción puede modificar el lenguaje. Nuevas formas de percibir pueden modificar mi manera de expresar el mundo. Y en esa dirección seguimos investigando.

Buscando referentes

Rafael Lozano Hemmer

http://www.lozano-hemmer.com/

Rafael Lozano-Hemmer, nacido en México en 1967, realiza instalaciones en la frontera de la arquitectura y la performance. Trabaja con tecnologías como la robótica, los sistemas de vigilancia y las redes informáticas.

Desde hace más de 20 años Rafael Lozano-Hemmer ha pervertido el sentido y la función original de las tecnologías de vigilancia que, desde los márgenes del poder, buscan alcanzar el control y el orden. Proyectos como Surface Tension (1992),Frequency and Volume (2003) o Inspired by Real Events (2004), por mencionar sólo algunos, son ejemplos de su interés por llevar estos sistemas a una zona crítica y poética que sólo es posible desde el arte. A través de la interacción, la presencia y las relaciones con el otro (el espectador), expone aquello que se esconde de los relatos de lo cotidiano.

https://www.youtube.com/watch?v=yPTVldjYhXY

https://www.youtube.com/watch?v=sbiqDufLCDY

https://www.youtube.com/watch?v=hF9p5BNu9TA
Todas las instalaciones incluidas en la exposición están conceptualmente enraizadas en las funciones vitales del cuerpo: el latido del corazón, la respiración y la piedra angular de la comunicación humana, la voz. La selección que conforma la muestra está integrada por obra reciente y de nueva producción. Rafael Lozano-Hemmer (México DF, 1967) es un artista electrónico que desarrolla instalaciones interactivas trabajando a medio camino entre la arquitectura y el arte de la performance. Su principal interés se centra en la creación de plataformas para la participación pública, alterando herramientas tecnológicas como la robótica, la vigilancia computerizada o las redes telemáticas.

https://www.youtube.com/watch?v=hAuXIawOdKg

Buscando referentes

Jim Campbell
http://www.jimcampbell.tv/

Jim Campbell (Chicago, 1956) graduado en Ingeniería Electrónica y Matemáticas por el Instituto de Tecnología de Massachussetts (MIT), es un artista pionero en la transformación digital de datos en obras de naturaleza artística que cruza con el arte contemporáneo, ciencia y tecnología.

Campbell juega con la manipulación del espacio y reflexiona sobre el modo en que el ser humano procesa y decodifica la información visual. Es habitual que reduzca la cantidad de elementos constitutivos de las imágenes (pixeles) a un mínimo, llevándolas hasta los límites de la coherencia visual, desdibujando nuestras categorías y ordenamientos lógicos. Es el principio de incertidumbre de Heisenberg (no se puede determinar, en términos de la física cuántica, simultáneamente y con precisión arbitraria, la posición y el momento lineal (cantidad de movimiento) de un objeto dado), presente en varias de sus obras.

https://www.youtube.com/watch?v=ylIYHmbM0UA

“Si uno trata de observar algo […] influirá en ello […] Cuanta más información trata uno de obtener de algo, menos obtiene” en palabras del propio artista. Campbell se sirve, en ocasiones, de filtros y pantallas de difusión que coloca frente a sus imágenes LED para “hacerlas más comprensibles”, volverlas más figurativas para el espectador. Para Campbell, “aprendemos cómo mirar estas imágenes mirándolas”. Una interpretación luminiscente del tradicional juego de espejos.

https://www.youtube.com/watch?v=g-fNalstA2k

El proceso de “ver” es una reconstrucción del cerebro, una recomposición basada en trocitos de información que pasan por distintos circuitos. Cuando miramos, lo que vemos depende tremendamente del contexto, no hay percepciones en términos absolutos. Al privar a sus imágenes de las necesarias referencias a su entorno, nuestras sinapsis se ven interrumpidas produciendo en nuestro cerebro un efecto similar a la ingravidez espacial. Un vacío textual que Campbell aprovecha para explorar reacciones anímicas y sensoriales, y brindar nuevas dimensiones a los efectos cinéticos que se pueden conseguir con la manipulación de sistemas 

electrónicos.

https://www.youtube.com/watch?v=TMFUpdNNRTk

Hace 11 años Campbell inició una investigación sobre la baja resolución y los límites de la percepción bajo el estudio de imágenes en movimiento.  Es así como comienza una serie de obras que él mismo denomina como experimentos artísticos.  Obras en las que se enfoca más en la comprensión y el sentido que en el detalle.

https://www.youtube.com/watch?v=-XJdeVjFLWE

La esencia del trabajo de Jim Campbell radica en la creación de estructuras a base de pixeles.  Es así como experimenta sobre la manera en que el cerebro entiende o decodifica las obras.  Compara las formas de ver de cerca (close-up) o de lejos y las imágenes que se extraen de ellas.  No es lo mismo verlas pixeladas en LED o a través de una pantalla o filtro que, aunque da un efecto borroso, define un poco mejor la imagen.  Si nos alejamos de la obra la imagen se vuelve más clara.  Según el artista, este tipo de pantallas las utiliza para controlar la visibilidad de la estructura del píxel pero las aplica finalizar una obra pues es ahí cuando decide cuán abstracta quiere que sea la misma.

Dentro de todo esta generación de imágenes de baja resolución y LEDs el artista busca generar otra percepción de la realidad pues considera que los nuevos medios permiten ver las cosas de otro modo y en ocasiones se pierden muchos aspectos o elementos.  Señala entonces que estas obras presentan lo que en cierta forma se pierde. 

Fuentes:

http://lisablanco.blogspot.com.ar/2011/07/jim-campbell-cuando-la-luz-se-vuelve.html

http://www.fundaciontelefonica.com/exposiciones/jim-campbell/

Buscando referentes

Robert Wilson (Texas, 4 de octubre de 1941) es un director estadounidense de escena de vanguardia y dramaturgo, una persona polifacética en el mundo teatral. Se puede decir que Robert Wilson lo hace todo. Dirige obras de teatro y óperas, lo que significa que se le ocurre una idea y sigue a través de cada movimiento. Wilson diseña escenografía e iluminación, lo que significa que visualiza no sólo la gente en el escenario, sino también su entorno. Escribe el texto para obras de teatro y óperas, lo que significa que crea las ideas originales que motivan a cada acción y pensamiento que se presenta. Él pinta y esculpe y ha trabajado con los sonidos.

Lenguaje: El impacto de Wilson en esta parte del teatro es inmensa. Wilson hace evidente por qué el lenguaje es terriblemente importante y no puede pasarse por alto. “Bob cambia los valores y formas de las palabras. En cierto sentido, adquieren un mayor significado; en algunos casos, menos.” - Tom Waits

Wilson muestra la importancia de la lengua a través de todas sus obras y en muchas maneras diferentes. El atribuye su lectura de la obra de Gertrude Stein y escuchar las grabaciones de su habla con “cambiando su forma de pensar para siempre”.

Wilson ve el lenguaje y, hasta en sus mismos ingredientes, las palabras, como una especie de "artefacto social". El lenguaje no sólo cambia con el tiempo sino que cambia con la persona, y con la cultura. Usando no sólo sus experiencias de trabajo con niños con discapacidad mental, sino también la redacción de Christopher Knowles, un renombrado poeta autista, permite a Wilson atacar el lenguaje desde muchos puntos de vista. Palabras mostradas visualmente es otro método de Wilson utiliza para mostrar la belleza del lenguaje. A menudo sus escenografías, cubiertas de programas y carteles de graffiti con las palabras. Esto permite al público ver el "lenguaje propio" y no "los objetos y significados que se refiere a".

La falta de lenguaje se convierte en esencial para el trabajo de Wilson también. De la misma manera un artista utiliza el espacio positivo y negativo, Wilson usa ruido y el silencio.

Este énfasis en el silencio se muestra abiertamente en algunas de sus obras. Deafman Glance es una obra de teatro sin palabras, y su adaptación de la obra de Heiner Müllerque contenía un prólogo sin palabras de quince minutos. Holmberg describe estos maneras diciendo: "El lenguaje hace muchas cosas y las hace bien. Pero tendemos a cerrar los ojos a lo que el lenguaje no lo hace bien. A pesar de la arrogancia de las palabras -ellas gobiernan el teatro tradicional con mano de hierro- no toda experiencia se puede traducir en un código lingüístico”. El famoso dramaturgo del siglo XX, Eugene Ionesco, incluso fue más lejos por decir que Wilson "superó a Beckett" porque "el silencio es un silencio que habla". Este silencio en el escenario puede ser desconcertante para los miembros del público, pero sirve a un propósito. Wilson hace hincapié en cómo el lenguaje es importante por su eliminación. Este dispositivo del silencio es la forma de Wilson de responder a su propia pregunta: "¿Por qué es que nadie ve? ¿Por qué es que nadie sabe cómo mirar? ¿Por qué nadie ve nada en el escenario? ".

(SOLE: Estaría bueno contraponer a la instalación sonora, con algo así, sin sonido, transmitiendo un lenguaje por medio de la iluminación)

Iluminación: La parte más importante del teatro es la luz, según Wilson. Wilson está muy preocupado con cómo las imágenes se definen en el escenario, lo que tiene prácticamente todo que ver con la luz que se coloca sobre un objeto dado. Siente que el diseño de la iluminación puede realmente llevar la producción a la vida.

La luz asume siempre la función de un actor, y como tal es considerada por Wilson, que hace de ella el basamento que nos ayuda a escuchar y a ver. El libreto visual se convierte así, en una estructura literaria que organiza un vocabulario del espacio y la mirada: contiene lo que puede ser visto y el modo en el que la visión será modulada. La luz es omnipresente no sólo por la escena que crea sino porque, a modo de espejo, la escena se ilumina a su vez por dentro. A la luz que produce la escena responde la luz que se enciende en su interior. Las bombillas tienen su papel como actores, al igual que los neones: tubos fluorescentes suspendidos en el aire, creando mesas o asientos, dibujando contornos geométricos o columnas, o rasgando el cielo con sus rúbricas de colores. La luz como actor dentro y fuera de la escena.

La función de este libreto visual es estructural, su objeto es construir el espacio-tiempo de la escena y la mirada. En las obras de Wilson se presencia, ante todo, la escenificación del tiempo y del espacio creados por la luz. La luz ayuda a ver y a escuchar la escena que pinta, sin presuponer un espacio-tiempo previo, una cavidad teatral a llenar, a decorar. Tiempo y espacio sólo existen cuando son creados y sentidos, fuera de estas experiencias no son nada, palabras vacías.

El escenógrafo de Wilson en The Civil Wars, Tom Kamm, describe su filosofía: "un set de Wilson es un lienzo para que la luz golpee como pintura". Él continúa explicando que "Si usted sabe iluminar, puedes hacer parecer que mierda luzca como oro. Yo pinto, construyó, compongo con la luz. La luz es una varita mágica”. Wilson es "el único director principal para obtener facturación como diseñador de iluminación" y es reconocido por algunos como "el más grande artista de luz de nuestro tiempo". Lo más provocador sobre su iluminación es el hecho de que está destinado a fluir en lugar de un modelo prendido-apagado, lo que hace su iluminación "como una partitura musical". Los diseños de iluminación de Wilson también disponen de "texturas densas y palpables" y permitir " personas y objetos para saltar sobre el fondo". En su diseño para Quartett, Wilson utilizó 400 señales de luz en un lapso de sólo noventa minutos. Él es un perfeccionista en muchos aspectos, nunca pone punto final hasta que todos los aspectos de su visión se logran. Un monólogo de quince minutos en Quartett le tomó dos días iluminar, mientras la operación de una sola mano tomó cerca de tres horas. Esta atención al detalle sin duda demuestra su devoción a la importancia de la iluminación, lo que refuerza la idea de que, a Wilson, "la luz es el actor más importante en el escenario".

OBRAS:

https://www.youtube.com/watch?v=DuRuJihFeR4&list=PL-9kYzYNoKY6QJIzr5WEYJWa57x23oBUp

https://www.youtube.com/watch?v=EJFHi4qEZSE&list=PL-9kYzYNoKY6QJIzr5WEYJWa57x23oBUp&index=14

https://www.youtube.com/watch?v=jsoakf-exlM&list=PL-9kYzYNoKY6QJIzr5WEYJWa57x23oBUp&index=31

https://www.youtube.com/watch?v=juStcHnf4Eo

https://www.youtube.com/watch?v=S_9hDJiZpUk